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« Photos libres de droit » : attention à cette fausse promesse

Denny — Fri, 09 May 2025 09:03:45 +0000

Dans le cadre de mon activité de photographe en entreprise et en industrie, une question revient souvent :
👉 « Est-ce que les photos que vous livrez sont libres de droit ? »

La réponse est simple : non, car cette notion n’existe pas en droit français. Et si un photographe vous propose un reportage « libre de droit », vous prenez un risque — souvent sans le savoir.

« Libre de droit » : un terme trompeur

Le terme “libre de droit” est une formule marketing, venue des banques d’images anglo-saxonnes. Il peut sembler rassurant, mais il est juridiquement flou et sans valeur dans le droit français.

👉 En France, toute image est automatiquement protégée par le droit d’auteur dès sa création.
📚 Référence : Code de la propriété intellectuelle – L111-1

📜 Ce que dit le droit français

Un photographe est titulaire de deux types de droits :

🎨 Droit moral : incessible, il garantit que le nom de l’auteur est respecté et que l’œuvre n’est pas modifiée sans son accord.
→ INPI – Le droit d’auteur
💼 Droit patrimonial : cessible, mais uniquement par une cession claire, limitée et formalisée (durée, supports, territoire…).
→ Code de la propriété intellectuelle – Article L131-3 (conditions de cession des droits)

👉 Donc : une entreprise ne devient jamais propriétaire des images qu’elle commande. Elle obtient simplement un droit d’usage, défini par un contrat de cession de droits.

Les risques de photos « libres de droits »

Si un photographe vous vend un reportage en prétendant céder les photos « libres de droit », cela peut sembler simple. Mais en réalité, cela vous expose à plusieurs risques juridiques :

1. ❌ Une cession juridiquement invalide

Le droit français interdit les cessions globales du type « tous droits, partout, pour toujours… ». Ce type de clause peut être jugé nul ou abusif.
→ Légifrance – Article L131-3 du Code de la propriété intellectuelle

2. 💸 Risques de facturation imprévue

Sans conditions clairement définies, un photographe peut revenir pour réclamer des droits complémentaires, notamment si les images sont utilisées à d’autres fins (publicité, campagne nationale, etc.).

3. ⚖️ Problèmes juridiques en cas d’abus

Un usage non autorisé ou hors périmètre peut entraîner :

Des poursuites pour utilisation abusive
Des retraits obligatoires de vos supports imprimés ou digitaux
Une atteinte à votre réputation professionnelle

Une cession claire intégrée à vos devis et factures

Chez DHphoto, je ne parle pas de « libre de droit ». À la place, je fournis une cession de droits conforme au droit français, directement intégrée dans vos documents officiels (devis et facture). Cela vous permet de pouvoir utiliser les photos de vos reportages ou de vos produits en toute sécurité.

📄 Formule de cession standard DHphoto :

Utilisation donnée au client pour 5 ans (y compris les archives pour les réseaux sociaux) de reproduire et publier les images sur support imprimé et numérique en Union européenne, Suisse et Andorre, hors achats d’espaces publicitaires ou formats supérieurs à 1m².

🔍 Précision sur l’achat d’espace :
Cette exclusion concerne uniquement les usages très spécifiques comme les campagnes publicitaires payantes : affichage urbain (abribus, 4×3, mobilier urbain), publicité presse, ou sponsorisation à grande échelle sur les réseaux sociaux. Ces cas sont rares et concernent surtout des campagnes pilotées par des agences média.

🎯 En résumé : si vous utilisez les images pour votre site web, réseaux sociaux, brochures, plaquettes, newsletters ou supports salon, vous êtes parfaitement couvert.

Et si vous avez un besoin spécifique (campagne d’affichage, publicité ciblée…), je peux bien entendu adapter la cession de droits sur mesure.

🎯 Conclusion

La notion de « photo libre de droit » n’a aucune valeur juridique en France. Chaque image nécessite une cession formalisée, claire, équilibrée. En travaillant avec un photographe professionnel qui intègre une cession sécurisée dans ses documents, vous protégez votre entreprise, votre communication… et votre tranquillité d’esprit.

Et vous, avez-vous déjà eu des problèmes avec la notion « libre de droits » ou toute cession de droit ?

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Comment réussir vos photos d’entreprise : Guide complet pour sublimer votre image de marque

Denny — Tue, 25 Mar 2025 11:17:53 +0000

Réussir ses photos d’entreprise est indispensable pour renforcer votre image de marque. Dans un contexte où l’image de marque est un atout majeur pour toute entreprise, disposer de photos professionnelles et impactantes est essentiel. Que vous soyez une PME ou une grande entreprise, cet article vous guide pas à pas pour réussir vos photos d’entreprise. Vous pourrez ainsi optimiser votre communication visuelle et booster votre présence en ligne.

1. La préparation de la séance pour réussir vos photos d’entreprise

Définir vos objectifs et votre style

Avant même de lever l’appareil photo, il est indispensable de déterminer précisément ce que vous souhaitez communiquer :

Objectifs marketing : Voulez-vous mettre en avant l’esprit d’équipe, valoriser un nouveau produit ou renforcer la crédibilité de votre entreprise ?
Style visuel : Identifiez l’ambiance à instaurer (moderne, chaleureux, minimaliste, etc.) et le message que vous souhaitez transmettre à travers vos images.

Choisir le lieu et préparer les équipes

Localisation : Le choix du lieu (bureau, extérieur, studio) doit être en adéquation avec l’identité de votre marque.
Mise en scène : Préparez vos équipes en expliquant le déroulé de la séance. Vous pouvez par exemple leur donner des indications sur les poses et les attitudes souhaitées. Dans tous les cas veillez à ce que tout le monde soit à l’aise devant l’objectif.

Préparer le matériel pour réussir vos photos d’entreprise

Assurez-vous que votre équipement est adapté à vos besoins. Vérifiez que vos appareils sont bien configurés et n’hésitez pas à investir dans des accessoires (trépieds, éclairages, fonds) pour obtenir une qualité optimale.

2. Les techniques de prise de vue pour réussir vos photos d’entreprise

Maîtriser l’éclairage pour réussir vos photos d’entreprise

L’éclairage est un élément clé pour sublimer vos images :

Lumière naturelle vs artificielle : Exploitez la lumière naturelle autant que possible, mais complétez-la avec des sources artificielles pour éviter les ombres indésirables.
Positionnement des lumières : Utilisez des réflecteurs ou des diffuseurs pour adoucir les contrastes et obtenir une ambiance homogène.

La composition et le cadrage

Règles de base : Respectez la règle des tiers pour un équilibre visuel harmonieux. Mais n’hésitez pas à expérimenter avec différents angles pour capturer l’essence de votre entreprise.
Mise en valeur des sujets : Assurez-vous que les personnes et les produits soient bien mis en avant. Pensez à varier les plans (gros plans pour les détails, plans larges pour contextualiser l’environnement).

Techniques spécifiques pour le portrait d’entreprise

Confiance et naturel : Demandez à vos collaborateurs de se détendre et adoptez un style naturel pour que leur personnalité transparaît dans les photos.
Variété des expressions : Capturez plusieurs expressions et postures afin de choisir les clichés les plus authentiques et représentatifs de l’esprit de votre entreprise.

3. La post-production

Retouche et optimisation de vos photos d’entreprise

Après la séance, pour réussir vos photos d’entreprise, la retouche permet d’affiner vos images tout en respectant la réalité :

Correction des couleurs et de la luminosité : Ajustez les niveaux de contraste, la balance des blancs et la saturation pour harmoniser vos photos.
Recadrage et mise en forme : Recadrez si nécessaire pour renforcer l’impact visuel et éliminer les éléments distrayants.

Optimisation pour le web

Pour un impact SEO et une meilleure expérience utilisateur, n’oubliez pas d’optimiser vos images avant leur mise en ligne :

Compression des images : Réduisez la taille des fichiers sans sacrifier la qualité pour garantir un temps de chargement optimal.
Nommage et attributs Alt : En premier il faut renommez vos fichiers avec des mots-clés pertinents (ex. « photo-entreprise-nom-societe.jpg »). Ensuite vous pouvez ajouter une balise alt descriptive pour améliorer l’indexation par les moteurs de recherche.

4. L’intégration de vos photos d'entreprise sur votre site

Structurer votre portfolio

Création de pages dédiées : Pour chaque type de service (portrait, événementiel, reportage, etc.), créez une page spécifique. Cela permet d’optimiser chaque page pour des mots-clés ciblés et d’améliorer votre référencement local.
Maillage interne : Intégrez des liens entre vos articles de blog et vos pages services pour favoriser une navigation fluide et réduire le taux de rebond.

Mettre en avant votre expertise

Études de cas et témoignages : Intégrez des exemples concrets et des retours clients pour illustrer l’impact de vos photos sur l’image de marque de vos partenaires.
Actualités et tutos : Publiez régulièrement des articles présentant des astuces, des coulisses de vos shootings et des conseils techniques, pour renforcer votre crédibilité et attirer un public passionné par la photographie.

Conclusion

Réussir vos photos d’entreprise ne se limite pas à appuyer sur le déclencheur : c’est un processus complet qui commence par une préparation soignée. Elle se poursuit ensuite par une exécution technique impeccable. Elle se conclut enfin par une post-production minutieuse et une intégration optimisée sur votre site. En adoptant ces bonnes pratiques, non seulement vous améliorerez l’impact visuel de votre communication, mais vous contribuerez également à optimiser le référencement de votre site. De quoi attirer de nouveaux clients potentiels.

N’hésitez pas à mettre en place ces conseils pour transformer votre image de marque et positionner votre entreprise en leader dans votre secteur.

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Combien d’images pour une animation produit 360° ?

Denny — Wed, 01 Feb 2023 12:11:55 +0000

Boostez vos ventes avec l’animation produit 360°

L’animation produit 360° est un outil puissant pour présenter vos articles sous tous les angles.
Elle permet à l’utilisateur de faire pivoter un produit directement à l’écran, de manière fluide et interactive.

Aujourd’hui, offrir une expérience immersive est indispensable pour capter l’attention et renforcer la confiance.
Avec une animation produit 360°, vos visuels deviennent engageants et percutants.

Pour en savoir plus : https://fr.wikipedia.org/wiki/Imagerie_360°

Une technologie fluide et professionnelle

Pour garantir un rendu optimal, j’utilise un plateau motorisé automatisé.
Chaque animation produit 360° est réalisée en studio avec un éclairage contrôlé, pour un résultat net et cohérent.

Ces visuels sont prêts à être intégrés sur :

Sites e-commerce (WooCommerce, Shopify, PrestaShop…)
Catalogues interactifs
Présentations commerciales ou techniques

Le format est optimisé pour le web, sur mobile comme sur desktop.

Combien d’images pour une animation produit 360 réussie ?

Le nombre d’images détermine la fluidité de votre animation. Voici quelques repères utiles :

Nombre d’images	Fluidité	Idéal pour…
12 vues	Rotation rapide	Présentation mobile, objets simples
24 vues	Bonne fluidité	Standard e-commerce
36 vues	Très fluide	Produits détaillés ou techniques
72 vues	Ultra fluide	Objets haut de gamme ou luxe

💡 Une animation produit 360 plus fluide implique plus d’images. Mais cela augmente aussi le poids des fichiers. Il faut donc trouver le bon équilibre entre qualité visuelle et performance web.

18 images

L’intervalle entre les images est de 20°.

Browser not compatible.

36 images

L’intervalle entre les images est de 10°.

Browser not compatible.

72 images

L’intervalle entre les images est de 5°.

Browser not compatible.

Une solution adaptée à tous vos produits

Je réalise des animations produit 360 sur mesure, adaptées à divers secteurs :

Équipements industriels
Objets high-tech
Mode & accessoires
Cosmétiques & bijoux
Artisanat ou objets de luxe

Chaque prise de vue est faite en studio, avec éclairage professionnel, retouches soignées et si besoin, détourage produit.

Faites confiance à un photographe expert

Je suis Denny Hohmann, photographe spécialisé en photo de produit et animation 360 basé en Lorraine.
J’accompagne les professionnels du Grand Est dans la création de visuels immersifs, engageants et adaptés aux attentes des acheteurs.

Chaque animation est pensée pour renforcer votre image de marque et valoriser votre savoir-faire.

Envie d’une animation produit 360 pour votre catalogue ?

Vous ne savez pas combien d’images choisir pour une animation optimale ? Contactez-moi pour définir ensemble le format idéal, selon votre produit, votre public et votre canal de diffusion.

Interventions en France, Luxembourg, Suisse et Allemagne. Basé dans le Grand Est, je travaille avec des marques, fabricants et e-commerçants pour sublimer leurs produits avec des visuels interactifs de haute qualité.

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Projet de détournement de tableaux pour le MUDAAC

Denny — Wed, 09 Mar 2022 14:43:31 +0000

Détournement de tableaux pour le compte du Musée Départemental d’Art Ancien et Contemporain (MUDAAC) mais aussi des FRANCAS des Vosges. Le but était de promouvoir l’art et l’intégration sociale. Y ont ensuite été associé les enfants et les familles du Centre social Denise Louis du plateau de la justice à Épinal. Pour ce faire, il a fallut réinventer les œuvres du musée en rendant totalement acteurs les enfants et leurs familles. Ces derniers devaient interpréter, personnifier et même littéralement se glisser dans la peau des protagonistes des peintures qui font partie de la collection permanente du MUDAAC.

Job raillé par sa femme - Georges de la Tour 1593-1652

Ce qui m'a amené au détournement de tableaux

Tout a commencé grâce à Isabelle BAILLY, ma voisine qui est devenue une amie et m’a poussé à postuler pour un appel à projet. Ce premier projet avait été initié par Virginie LE FLEMM, animatrice à la maison de retraite de Charmois l’Orgueilleux. Il s’agissait d’un projet intergénérationnel sur les émotions, non sans ressemblance avec celui du MUDAAC. Ainsi, Virginie cherchait un photographe pour remettre en scène des tableaux de peintres connus. Parmi ces derniers : Eugène De la Croix, Edvard Munch, Georges De la Tour ou encore Auguste Renoir. Les mises en scène se sont faites avec les résidents de l’EHPAD Saint-Jean, les participants à l’atelier d’insertion du CTPS de Remiremont mais aussi les élèves de la MFR d’Hadol.

Les mercredis chez Français - Achille CESBRON - 1849-1915

Pour détourner ce tableau je ne disposai que de deux à trois membres par famille. Afin de pouvoir mettre en scène les six personnages de ce tableau j’ai donc dû utiliser quelques astuces et user de quelques montages photos.

Le projet de détournement de tableaux du MUDAAC

Tout d’abord, l’idée est née lors du premier confinement au printemps 2020. Il a ensuite commencé à prendre forme lors de l’automne qui a suivi. Enfin, le MUDAAC participe à l’opération « PUB ! », lancée par le Conseil départemental. Ainsi, le thème, initialement pour 2021, était Public’Cité. Les rencontres et la réalisation de ce projet ont été reportées à de nombreuses reprises à cause des contraintes sanitaires. Finalement le vernissage de l’exposition a eu lieu le jeudi 4 novembre 2021 en présence de Ghislaine Jeandel-Jeanpierre, vice-présidente du Conseil Départemental déléguée à l’enfance. Quant aux photos, elles sont restées exposées au musée pendant près de trois mois, jusqu’au 24 janvier 2022. En attendant, les visiteurs, eux aussi, ont pu se glisser dans la peau des personnages le 18 décembre 2021.

Les Chemineaux - Victor PROUVÉ, 1907

Ce qui m'a plu dans ce projet

Ce qui m’a particulièrement plu dans ce projet c’est son rayonnement social. Mais aussi la médiation culturelle et artistique qui ont été réalisée autour de ce projet. Le fait d’amener les gens vers le musée, mais surtout de faire sortir l’Art du musée. Pour cela Aurélie, Pierrick et Daphnée du MUDAAC ont effectué un travail remarquable avec les enfants et les familles. J’ai aimé faire fi des imprévus et découvrir les capacités d’adaptation, de moi-même, mais aussi de tous les autres acteurs de ces projets. En bref, le côté humain de ces aventures que sont ces projets d’intégration intergénérationnelle et sociale. J’ai ainsi vu des enfants, ainsi que leurs parents, se prêter totalement aux jeux d’acteur. Je les ai vu m’expliquer l’histoire de l’œuvre qu’ils étaient en train de personnifier. Je trouve que c’est une belle revanche sur tous ceux qui prétendent que l’art est élitiste.

Portrait d'homme - Hieronymus KESSEL, 1618( ?)

Remerciements

Je tiens à remercier François VANNSON, Président du Conseil départemental des Vosges et Ghislaine JEANDEL-JEANPIERRE, vice-présidente déléguée à l’enfance. Mais aussi Olivier MAROTEL, Président de l’association départementale des FRANCAS des Vosges. Ainsi que Catherine GIRAUD, Présidente de l’association Jeunesse et Cultures et bien sûr Stéphane VIRY qui le fut encore il n’y a pas si longtemps. Je les remercie tous pour avoir rendu ce projet possible.

Je tiens également à remercier les personnes qui ont mis sur pied ce projet. Les personnes avec qui j’ai le plus étroitement collaboré : Aurélie DEBROSSE et Daphnée MOUTARD pour le MUDAAC. Camille RUFFIN et Pierrick VIRION pour les FRANCAS des Vosges. J’ai vraiment éprouvé énormément de plaisir à travailler avec eux.

Je voudrais y associer les enfants, les familles et les animateurs du centre social du Plateau de la Justice qui se sont énormément impliqués et qui m’ont beaucoup apporté.

Cimon et Éphygène - Heyman DULLAERT, XVIIe siècle

Les photos de l'exposition au MUDAAC

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L’histoire de Robert, ma découverte du handicap mental

Denny — Fri, 02 Jul 2021 13:47:08 +0000

On m’a souvent demandé comment j’en suis arrivé à me spécialiser dans la photo inclusive, et plus particulièrement tout ce qui concerne le handicap mental. En effet, photographe depuis plusieurs années pour l’AEIM-Adapei54 et l’Unapei, j’interviens souvent sur les assemblées générales, les congrès mais aussi dans les différentes structures qui accueillent des personnes ayant un handicap mental. Parmi ces différentes structure je citerai par exemple les foyer d’hébergement, les foyers occupationnels, les foyers d’accueil médicalisé (FAM) mais aussi les instituts médico-éducatif (IME), les maisons d’accueil spécialisées (MAS) ou encore les établissement et service d’aide par le travail (ESAT).

Le rôle du hasard dans ma découverte du handicap mental

Pour commencer, et pour être tout à fait franc, je n’avais pas de vocation particulière vis à vis du handicap mental au début. Je suis plutôt tombé dedans par hasard. Bien qu’ayant toujours été attiré par le social et la relation aux autres, j’avais – comme malheureusement beaucoup de personnes – une grande appréhension par rapport aux personnes déficientes intellectuelles.

Mon appréhension du handicap mental

Voici comment j’ai découvert ce qu’était le handicap mental. Faisant régulièrement des colonies de vacances en tant qu’animateur, un ami m’a un jour demandé de le dépanner en tant qu’accompagnateur sur un séjour adapté dont il était responsable. Ma curiosité l’a alors emporté sur mon appréhension.

« J’t’aime bien toi, t’es un bon. »

Je me souviendrai toujours de Robert, une des personnes accueillies d’une quarantaine d’année, avec une tête énorme, un gros nez rouge qui trônait au milieu de son visage comme une grosse patate et des yeux gris qui semblaient regarder de travers.

Du moins c’est comme ça que je le voyais au moment de la rencontre. Au moment de me présenter à l’ensemble du groupe, Robert s’avança vers moi et me fit : « T’as d’beaux yeux ! On s’embrasse ? » et il s’avança vers moi le regard plein de malice et la bouche en cul de poule.

Je ne sais pas pourquoi mais ça m’a immédiatement décoincé. J’ai senti le bluff et j’ai rétorqué : « Bah oui ! Sur la bouche ?». Il s’est alors arrêté, s’est mis à rire et m’a dit : « J’t’aime bien toi, t’es un bon. ».

Je le trouvai beau avec son handicap

Dorénavant je vis Robert, une tête ronde avec des joues colorées et marqué par la vie. Je le trouvai beau. Non malgré son handicap, mais bien avec son handicap.

Pour tout dire, c’est lui qui m’a donné envie de m’intéresser aux personnes déficientes intellectuelles. En effet il m’a fait comprendre que la beauté n’était pas figée dans des préceptes prédéfinis. C’est avant tout la relation que l’on entretient avec l’autre qui fait surgir la vrai beauté d’une personne. Car comme le disait si bien Oscar Wilde : « La beauté est dans les yeux de celui qui regarde ».

Et sur ce point-là ce sont les personnes déficientes intellectuelles qui ont les plus grands trésors à partager. Il faut juste se donner la peine de les découvrir.

Un photographe diplômé AMP

Depuis, j’ai fait de nombreux autres séjours adaptés. Je les ai même emmenés en Mongolie et en Afrique du Sud, mais ça c’est une autre histoire… Entretemps j’ai validé mon diplôme d’état d’AMP (aide médico-psychologique) et j’ai travaillé pendant huit ans dans un FO-FAM (foyer occupationnel et foyer d’accueil médicalisé) à Toul avant de me mettre à mon compte en tant que photographe professionnel.

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La mise en scène de la photo culinaire

Denny — Fri, 16 Apr 2021 14:13:18 +0000

Découvrez comment par des techniques simples et des réflexions autour de la scénarisation pour habiller vos photos, vous pouvez faire de la mise en scène de la photo culinaire. La photographie culinaire fait partie de la photo de produit, mais à l’inverse de la photo packshot il s’agit de créer une ambiance, non seulement avec la lumière et le fond, mais avec des éléments extérieurs. Il s’agit de scénariser l’objet afin d’obtenir une nature morte attrayante et vendeuse. Car, comme pour toute photo publicitaire, le but est bien de vendre un produit. Ici il s’agit d’un produit comestible, il doit donc mettre l’eau à la bouche, donner faim, donner envie de manger ce plat, ce burger, ce pain, ce dessert plutôt qu’un autre.

La mise en scène de la photo culinaire

Photo culinaire avec mise en scène succincte

La mise en scène de la photo culinaire peut être succincte. Elle peut mettre en avant le côté sain et naturel d’un produit par une scénarisation épurée, mais aussi son côté luxueux comme pour de la haute couture avec une mise en scène minimaliste. Pour cela le fond a une importance primordiale. Vous pouvez en trouver ici.

Pour la photo culinaire le choix du fond et de la lumière sera alors primordial. Faut-il faire ressortir la texture ? Y a-t-il de la brillance ? à quel point voulons-nous la faire ressortir ? à quel(s) endroits(s) doit-elle apparaître ? Il ne faut oublier le fond qui peut avoir beaucoup d’aspérités. Il faudra alors les placées judicieusement afin que le nœud du bois, l’éraflure, la veine du marbre, les gravures etc. prennent toute leur place dans la composition globale de la photo culinaire.

Photo culinaire avec mise en scène élaborée

La scénarisation de la photo culinaire peut aussi être très élaborée. Mais attention à ne pas surcharger la photo culinaire. La scénarisation doit rester pertinente et cohérente. Il faut savoir ce que l’on veut mettre en avant, est-ce le plat ou un de ses ingrédients ?

D’ailleurs élaboré ne veut pas toujours dire chargée : on peut très bien n’utiliser que peu d’accessoires et jouer avec la pertinence de leur placement dans la mise en scène de la photo culinaire pour créer des dynamiques. Un véritable sens de lecture peut se créer dans la photo culinaire avec peu d’éléments de décoration.

Avec quoi mettre en scène les photos culinaires ?

Les photos culinaires et les ingrédients

Ma première approche est toujours de me questionner sur les ingrédients, sa composition, son histoire, faire raconter au produit qui il est. Je peux alors déjà rassembler quelques éléments qui pourrons me servir pour mettre en scène ma photo culinaire. Prenons une tarte au citron meringué : je peux déjà mettre de côté des citrons, des œufs, de la farine… je peux récupérer le moule qui a servi à la cuisson. S’il s’agit d’une recette de famille je garde un vieux livre de recettes sous le coude. Si j’ai un fouet de cuisine, je le garde de côté aussi…

Les photos culinaires et les couleurs

Ensuite je m’attarde aux couleurs. La cuisine comme la pâtisserie est souvent haute en couleur et il faut donc savoir jouer avec celles-ci pour réussir ses photos culinaires. Prenons ma tarte au citron meringuée. Jaune, blanc, ocre/beige. Je pars donc de ces trois couleurs. Il y a maintenant trois façons différentes de les intégrer dans la composition de ma photo culinaire :

Jouer sur la similitude

Je rassemble tout ce que j’ai (foulards, napperons, couverts, objets…) de jaune, de blanc et de beige pour pouvoir les placer ensuite dans la composition et ainsi faire des rappels de couleur.

Jouer sur la complémentarité

Là je vais me focaliser sur une seule couleur, pas forcément la plus présente, mais la plus caractéristique. Dans l’exemple de ma tarte au citron meringuée ce sera le jaune. Je cherche ensuite sa couleur complémentaire, ici le bleu, et je vais chercher tout ce qui pourrait me servir de fond (nappe, fond vinyle, plateau, couverture etc.) Il faut que ça tranche !

Jouer sur les nuances

Dans notre exemple nous avons du jaune, du blanc et du beige. Je vais donc chercher tous les éléments qui se situeraient entre ces tons afin de faire apparaître un véritable camaïeu dans la composition finale de ma photo culinaire.

Scénariser sa photo culinaire

La première question à se poser lorsque l’on veut faire une photo culinaire, c’est : quelle histoire vais je vouloir raconter ?

Prenons : Une pâte à tartiner bio, allégée en sucre et sans huile de palme …et non ! pas celle qui commence par N, et posons-nous la question de ce que nous voulons faire passer comme message.

Photo culinaire d'un produit sain pour les enfants

Ici un exemple de photo culinaire pour une marque d’infusion bio pour enfants

Deux choses à retenir qui vont nous guider ici dans toutes les mises en scène de nos photos culinaires : les enfants et le côté sain ! Donc soit je mets en scène des enfants (mais cela a un coût supplémentaire car il faut passer par une agence spécialisée dans les mannequin enfants), soit je mets en scène des éléments qui vont faire penser aux enfants.

Je peux utiliser des accessoires (ex. un cartable car le goûter c’est le moment où l’on rentre de l’école), des jouets, des vêtements (chaussure, écharpe…). Deuxièmement, n’oublions pas le côté sain que doit renvoyer notre photo culinaire. En effet, si je mets en scène des jouets, ils devront de préférence être en bois et non en plastique. Si j’utilise une écharpe, je vais favoriser celle en laine (attention, si la cible est une clientèle végane, alors il faudra préférer du coton) plutôt que celles en polaire, avec des paillettes, des écussons en plastique.

Photo culinaire d'un produit léger pour toutes celles qui veulent garder leur ligne

Un exemple de photo culinaire pour mettre en scène un latte macchiato léger avec ses fleurs de coton

Les choses que nous allons retenir sont : léger et sain. Encore une fois, les matières utilisées pour notre photo culinaire devront être des matières naturelles. Pour le côté léger nous pouvons utiliser des accessoires qui renvoient vers la légèreté, comme des fleurs de coton, qui sont en même temps très décoratives et se marieront parfaitement avec les tons d’une gaufre nappée de pâte à tartiner avec un nuage de chantilly, le tout posé sur un napperon en dentelle. Et si nous voulons faire encore plus sain, nous pouvons utiliser des cracottes ou du pain complet.

Photo culinaire d'un produit gourmand que tout le monde s'arrache

On pourrait alors imaginer un pot renversé sur une planche à pain (la pâte commence à couler dessus) avec quelques grosses miettes de pain et trois pains spéciaux entamés qui laissent imaginer que plusieurs personnes en on mangé.

Et on peut s’imaginer ainsi une multitude de scénarios qui vont nous guider dans la recherche de notre mise en scène pour nos photos culinaires.

Fin de ce billet sur la photo culinaire dans un premier temps. N’hésitez pas à m’envoyer vos questions, elles pourront éventuellement être intégrées dans un autre billet. N’hésitez pas à aller voir ma page dédiée à la photo culinaire.

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L’ouverture du diaphragme

Denny — Tue, 25 Feb 2020 15:11:08 +0000

Le diaphragme c’est quoi ?

L’ouverture du diaphragme est l’un des trois éléments qui constituent le triangle d’exposition. Les deux autres sont : la sensibilité ISO et la vitesse d’ouverture (dont nous parlerons une prochaine fois). L’ouverture du diaphragme dépend de l’objectif et détermine la quantité de lumière qui entre par l’objectif. Elle a aussi un rôle sur la profondeur de champs de la photo. On s’en sert généralement pour isoler un sujet par rapport à son arrière plan, pour un portrait par exemple. Ou au contraire pour rendre la totalité de sa photo nette.

Le diaphragme est situé à la base de l’objectif et il est constitué de lamelles. Leur nombre varie en fonction de la conception et de la qualité du diaphragme. Ces lamelles forment un trou que l’on peut plus ou moins ouvrir ou fermer pour influer sur la quantité de lumière reçue par le capteur. On peut comparer le diaphragme à l’iris de notre œil. Plus il est ouvert, donc dilaté pour l’œil, et plus il reçoit de lumière.

Comment est noté l’ouverture du diaphragme ?

Comme on le voit sur l’illustration ci-dessous, la plupart du temps on exprime l’ouverture du diaphragme par un f/ suivi d’un chiffre. Donc lorsque l’on veut ouvrir à 8 on verra f/8. Mais on peut aussi trouver 1/8, f8, 1:8 ou encore 8 tout court sur certains appareils, le fabricant voulant gagner de la place.

Il faut savoir qu’il s’agit de fractions, d’où le 1/8 ou f/8. Ce qui m’amène vers le point suivant :

Plus le chiffre de l’ouverture de diaphragme augmente, et plus on ferme son diaphragme.
Plus le chiffre de l’ouverture de diaphragme diminue, et plus on ouvre son diaphragme.

C’est simple à comprendre : plus vous devez partager le gâteau et plus votre part sera petite : 1/8 du gâteau est plus petit que 1/4 du même gâteau. Donc on ferme plus à f/8 que à f/4.

Utilisation artistique de l’ouverture du diaphragme

Comme dit précédemment, on se sert de l’ouverture du diaphragme pour influer sur la quantité de lumière reçue par le capteur. Mais ce n’est pas là sa seule utilisation. En effet on se sert souvent de l’ouverture du diaphragme pour pour influer sur la profondeur de champs :

Plus on ouvre le diaphragme et plus on réduit la profondeur de champs, donc la zone qui sera nette sur la photo. Cela permet d’isoler le sujet par rapport à l’arrière plan en créant de jolis bokeh (flous d’arrière plan artistiques). On s’en sert notamment pour les portraits.
Plus on ferme le diaphragme et plus on augmente la profondeur de champs, donc la zone qui sera nette sur la photo. Cela permet de montrer un maximum d’éléments sur sa photo sans avoir d’éléments flous. On s’en sert par exemple en photo de paysage.

Influence du diaphragme sur les performances de l’objectif

Pour atteindre des performances optiques optimales, on conseille souvent d’utiliser une ouverture de diaphragme intermédiaire, généralement comprise entre f/5,6 et f/11. Cela améliore le piqué (la précision de la netteté). On peut aussi noter deux autres problèmes liés à l’ouverture du diaphragme :

Une trop grande ouverture crée souvent du vignettage (bord de l’image qui s’assombrissent).
Une trop petite ouverture fait apparaître des aberrations chromatiques dues au phénomène de diffraction. Cela peut créer des contrastes cernés d’une frange verte ou violette.

Mais cela varie beaucoup d’un objectif à l’autre et surtout d’une gamme à l’autre. Les objectifs haut de gamme ont par exemple souvent un excellent piqué en fermant juste d’un cran, voire dès la pleine ouverture.

Comment régler l’ouverture du diaphragme

La graduation du diaphragme n’est pas linéaire – ce serait trop simple. Ce qui veut dire que vous ne faites pas passer deux fois plus de lumière à f/4 que à f/8. Les valeurs de notations sont obtenues en divisant la focale de l’objectif par le diamètre maximal du faisceau de lumière qui le traverse. Mais ne vous tracassez pas : retenez juste que vous doublez la quantité de lumière à chaque fois que vous ouvrez de trois crans sur votre appareil.

Les ouvertures de diaphragme disponibles sont fonction de l’objectif, sa conception, sa focale. Chaque objectif à une ouverture minimale et une ouverture maximale et on ne pourra pas aller au-delà. On trouve généralement l’ouverture maximale indiquée sur l’objectif, proche de la lentille.

Seuls certains modes de prise de vue autorisent le réglage de l’ouverture de diaphragme par l’utilisateur :

Le mode manuel qui permet de paramétrer tous les réglages de façon manuelle, donc aussi l’ouverture du diaphragme.
Le mode priorité à l’ouverture (AV ou A). Son but est justement laisser régler l’appareil le temps de pose en fonction de l’ouverture de diaphragme que nous aurons choisi.

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La sensibilité ISO

Denny — Tue, 28 Jan 2020 15:07:59 +0000

Qu'est-ce que la sensibilité ISO ?

La sensibilité iso, aussi appelée valeur ISO est l’un des trois éléments qui constituent le triangle d’exposition.

"En photographie, la sensibilité ISO est la mesure de la sensibilité à la lumière des pellicules et des capteurs numériques. Elle est une donnée essentielle à la détermination d'une exposition correcte. Elle doit son nom à l'International Organization for Standardization qui publie les normes la définissant. La sensibilité des surfaces sensibles a considérablement augmenté au fil des années. En effet, en 1935, la sensibilité du premier Kodachrome était de 10 ASA (10 ISO). En argentique noir et blanc, elle est passée de 50 à 3200 ISO. Alors que aujourd'hui, en numérique, elle peut aller jusqu'à 800 000 ISO et plus."

Wikipedia

En vrai elle a même dépassé le million d’ISO pour certains modèles et elle ne cesse de s’étendre au fur et à mesure de la sortie de nouveaux boitiers.

A quoi servent les ISO ?

Les ISO servent à s’adapter à différentes situations de lumière et à compenser les limites des deux autres réglages du triangle d’exposition(la vitesse et l’ouverture). Par exemple lorsque l’on veut figer un mouvement (vitesse d’obturation courte) tout en ayant une bonne profondeur de champs (faible ouverture de diaphragme) et tout ça par faible luminosité. On n’aura donc pas d’autre choix que de compenser par une montée en ISO.

La différence entre la sensibilité ISO en argentique et en numérique

En photographie argentique la sensibilité à la lumière est définie par la sensibilité de la pellicule. Si l’on voulait augmenter la sensibilité ISO, on n’avait donc d’autre choix que de changer la pellicule pour en mettre une plus sensible ou, à l’inverse, moins sensible.

Avec la photographie numérique, cela a été fortement simplifié, car il suffit à présent de tourner une molette ou de changer nos réglages pour influer la sensibilité ISO du capteur numérique (le capteur c’est ce qui remplace la pellicule). Enfin ce n’est pas tout à fait ça ! En effet chaque capteur n’a en vérité qu’une seule sesibilité ISO. Je vous explique.

L'ISO natif et son amplification

Chaque capteur numérique n’a qu’une seule sensibilité ISO, c’est ce qu’on appelle souvent l’ISO natif de l’appareil ou sensibilité nominale du capteur. Cette sensibilité se situe entre 100 et 200 ISO selon les marques et les modèles. Du coup, vous allez me dire que ça ne change pas de la pellicule argentique. Et qu’en plus on ne peut pas changer le capteur de l’appareil comme on le faisait pour la pellicule. Alors comment peut-on changer les ISO sur les appareils numériques ?

Tout simplement en amplifiant électroniquement le signal reçu par le capteur.

Le bruit numérique : Le réglage des ISO et la montée en bruit

Pourquoi ne pas régler ses ISO au maximum en permanence pour être tranquille ?

Tout simplement à cause du bruit numérique ! Plus on amplifie les ISO, plus on a ce qu’on appelle du bruit.

Le bruit numérique c’est quoi ? Ce sont ces petits grains qui apparaissent, surtout dans les zones sombres et unies.

A quoi est dû le bruit numérique ? Les informations captées par les photosites du capteur sont transformées en signal électrique. Ainsi, si ces photosites ne reçoivent pas assez de lumière (parce que l’ouverture du diaphragme est trop faible, parce que le temps de pose est trop court ou parce qu’il n’y a pas assez de lumière ambiante…) alors il faut amplifier ce signal. Cette amplification se fait elle aussi de façon électrique. Dès que le signal électrique de l’amplification est plus élevé que celui émis par le capteur, alors il y a des interférence. Ce sont ces interférences qui créent une dégradation de la qualité de la photo et que nous appelons le bruit numérique. Plus le signal d’amplification est élevé par rapport au signal émis par le capteur, et plus le bruit numérique sera alors visible.

Comment contrer le bruit numérique ?

Du côté de l’appareil photo certaines choses peuvent déjà influencer la présence du bruit numérique :

Premièrement les microlentilles à la surface du capteur pour capter plus de lumière.
Deuxièmement la qualité des circuits électriques à proximité du capteur.
Troisièmement les algorithmes de traitement de l’image.

Ce que nous nous pouvons faire pour réduire la présence de ce bruit numérique :

Utiliser la valeur ISO la plus proche possible de la valeur native de notre appareil, en général aux alentour de 100 ISO.
Donner le plus de lumière possible aux photosites de notre capteur (ouvrir le diaphragme, sélectionner un temps de pose plus long, mieux utiliser la lumière ambiante, utiliser un réflecteur, apporter de la lumière artificielle)
Retravailler le bruit au post-traitement avec un logiciel dédié. Mais attention, c’est souvent au détriment des détails dans la photo.

Comment bien régler sa sensibilité ISO ?

Lorsque l’on double le nombre d’ISO, on double la sensibilité à la lumière (ci-dessous en bleu). Les valeurs intermédiaires sont des paliers d’1/3.

100 125 160 200 250 320 400 500 640 800 1000 1250 1600 2000 2500 3200 4000 5000 6400

A 1600 ISO j’aurai donc au final une photo deux fois plus exposée avec un réglage vitesse et temps de pose équivalent sur la même scène qu’à 800 ISO. Et comme nous l’avons vu précédemment, plus nous montons dans les ISO, et plus nous allons avoir du bruit sur notre photo.

L’astuce va donc être de jongler au mieux sur les réglages d’ouverture du diaphragme et celui de temps de pose pour pouvoir choisir le réglage ISO le plus bas possible.

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La correction de l’exposition

Denny — Mon, 25 Nov 2019 14:58:33 +0000

La correction de l'exposition, qu'est-ce que c'est ?

correction de l’exposition est ce qui nous permet de corriger l’indice de luminance (IL).

Pour commencer, l’indice de luminance (IL), ou Exposure Value (EV) en anglais, ou aussi « stop » voire « diaph » (pour diaphragme), est la manière qu’utilise l’appareil photo pour mesurer la luminosité. C’est ce qui permet à l’appareil photo d’équilibrer la luminosité de la photo afin qu’elle ne soit, ni trop claire, ni trop foncée.

Les photosites : noirs bouchés et blancs cramés

L’appareil photo capte la lumière par le biais de ses photosites, minuscules capteurs que l’on peut comparer à des puits qui doivent recevoir de l’eau. S’ils ne reçoivent pas assez d’eau : ils sont à sec ! S’ils en reçoivent trop : ils débordent ! Pour les photosites, s’ils reçoivent trop peu de lumière, ils seront noirs et n’enregistreront plus aucun détail ; on parle alors de noirs bouchés. S’ils reçoivent trop de lumière, ils seront blancs et n’enregistreront plus aucun détail non plus ; on parle alors de blancs cramés.

La différence entre la sensibilité ISO en argentique et en numérique

Sur la plupart des appareil photo on peut trouver une fonction pour corriger cette mesure de la luminosité. Car, même si dans 90% des cas l’appareil photo s’en sort plutôt bien, il reste des situations dans lesquelles la mesure de l’APN ne nous satisfait pas. Il faut alors procéder à une correction de l’exposition. Cette fonction ressemble à une réglette graduée et que l’on peut régler par paliers de + ou – 1/3 d’IL. Lorsque nous augmentons l’exposition de 1 IL, il y a 2 fois plus de lumière qui arrive sur le capteur de l’appareil photo. Si nous diminuons l’exposition de 1 IL, il y a 2 fois moins de lumière.

L'histogramme, une aide précieuse pour la correction de l'exposition

L’histogramme est une aide très précieuse pour nous aider dans la correction de l’exposition. Il faut savoir que l’écran de l’appareil photo n’est absolument pas fiable dès que l’on se trouve dans des conditions de luminosité changeantes. L’écran nous paraitra bien plus lumineux la nuit qu’en plein soleil et nous induit alors systématiquement en erreur. L’histogramme devient alors le seul outil fiable pour se faire une idée de la luminosité que l’appareil photo a enregistrée. Découvrez aussi l’article sur la sensibilité ISO.

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La Balance des blancs

Denny — Tue, 29 Oct 2019 14:53:55 +0000

Qu’est-ce que la balance des blancs ?

Qui dit balance dit équilibre, et pour la balance des blancs, l’équilibre c’est quand le blanc paraît bien blanc. Les deux photos à gauche ci-dessus, correspondent à l’interprétation automatique de l’appareil photo. Celles à droite correspondent à la façon dont je les ai gardées en mémoire.

Tout d’abord, avez-vous déjà remarqué, que lorsque votre appareil prend des photos, la neige est souvent très bleue ? et les photos prises en intérieur très jaunes ? Alors comment gérer la balance des blancs et ainsi avoir des couleurs fidèles ? C’est du à une mauvaise interprétation de la température de couleur par l’appareil photo qui lui se base sur une moyenne.

En effet la lumière ambiante n’a pas toujours la même température de couleur. On la mesure en Kelvin (unité que l’on retrouve aussi sur les ampoules LED). Cette température change en fonction du moment de la journée, de la météo, de la saison, mais aussi en fonction du type d’éclairage (ampoules classiques, néons, halogènes, LED…)

Comment la régler ?

Le plus simple est de prendre les photos en format RAW et de régler la balance des blancs avec la pipette sur un logiciel d’édition (ci-contre sur Lightroom). Il suffit alors de cliquer sur une zone neutre en couleur. En principe on utilise une zone blanche, mais aussi noire ou idéalement avec une charte de gris.

Mais on peut aussi la régler directement sur son boitier avec le mode auto (qui gère très bien 90% des cas), les modes préenregistrés (voir le tableau ci-contre), ou en mode personnalisé en se servant d’une charte de gris ou une charte de couleur.

En réglant la balance des blancs, il s’agit de neutraliser les dominantes de couleur présentes dans la photo. Il est en effet assez facile de régler la température (du bleu au jaune) à l’œil. En revanche il est bien plus compliqué de régler la teinte (du magenta au vert) sans l’aide d’une charte.

L’importance de l’interprétation

Attention toute fois à l’interprétation de l’image. Ci-dessus, la photo de gauche à 3600 K est telle que l’appareil photo l’a prise. La photo de droite à 2100 K est le résultat après correction de la balance des blancs en cliquant avec la pipette sur la coque du bateau qui est sensé être blanche. Mais l’œil est habitué à voir des couleurs plus chaudes la nuit. Du coup une correction stricte ne parait pas naturelle. Il faut la réchauffer un peu pour que la photo devienne harmonieuse.

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